Ich fühlte mich ein wenig wie Alice im Wunderland, als gigantische digitale Bilder von roten, weißen und cremefarbenen Dahlien an der Wand vor mir knospten, blühten und zerschmetterten. Ich schwankte über das, was ich sah. Ist dies ein Fortschritt auf dem Weg der Moderne oder eine Abwertung der Kunst in die Unterhaltung von Themenparks?
Die schillernde florale Extravaganz von teamLab, einem in Tokio ansässigen Kollektiv für digitale Kunst, ist das dynamische Herzstück einer Eröffnungsausstellung in Superblue, einem „Erlebniskunstzentrum“ in Miami (oder einem EAC, das initiiert werden soll), das nächste Woche vor der Eröffnung mit der Einladungsvorschau beginnt Superblue ist der Blue-Chip-Kandidat auf dem schnell wachsenden Gebiet der immersiven Kunst. Unterstützt von der Juggernaut Pace Gallery und dem Emerson Collective von Laurene Powell Jobs.
Die Popularität dieses Genres wird von widersprüchlichen Wünschen bestimmt, wie die Besucherreihe im Jahr 2019, die bis zu sechs Stunden auf einen einminütigen Aufenthalt im funkelnden Licht von Yayoi Kusamas Infinity-Spiegelraum in der David Zwirner-Galerie in Chelsea wartete, deutlich macht . Unterernährt von ihren Handys und Computerbildschirmen, sehnen sich die Menschen nach realen viszeralen Erfahrungen. Und doch bleiben sie in der Anziehungskraft der virtuellen Realität stecken: Die Erfahrungen, die sie suchen, können sie auf ihren Telefonkameras aufzeichnen und in sozialen Medien veröffentlichen.
Das renovierte Lagerhaus, das Superblue in Miami bewohnt, befindet sich gegenüber einer traditionelleren Institution für zeitgenössische Kunst, dem Rubell Museum, das Ende 2019 in Allapattah wiedereröffnet wurde, einem Gewerbe- und Arbeitergebiet westlich seines früheren Standortes in der heutigen Zeit. gentrifizierter Wynwood Bezirk. Mera Rubell erzählte Marc Glimcher, dem Geschäftsführer von Pace, von der Verfügbarkeit des Gebäudes, als sie zufällig bei einem großen Abendessen nebeneinander saßen. Die Struktur umfasst 31.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche mit 30 Fuß Decken. Es werden Installationen für ein oder eineinhalb Jahre angezeigt, bevor sie zu anderen Superblue-Standorten in noch nicht angekündigten Städten transportiert werden. “Das ist etwas, was wir tun müssen, damit die Wirtschaft funktioniert”, sagte mir Mollie Dent-Brocklehurst, Mitbegründerin in London, bei einem Zoom-Anruf.
Für die Eröffnungsausstellung enthielt Superblue „AKHU“ von James Turrell, dem Südkalifornier, der ein Höhepunkt der experimentellen Kunstwelt ist. Die Installation nennt Turrell ein Ganzfeld, ein deutsches Wort, das den Verlust der räumlichen Wahrnehmung bezeichnet, der in einem merkwürdigen, einheitlichen Gesichtsfeld wie einem Nebel-Whiteout auftritt. (Wie bei Schadenfreude hat Ganzfeld kein englisches Gegenstück.) In „AKHU“ (ein altägyptischer Begriff, der grob als „Seele“ übersetzt wird) wird ein längliches Licht auf eine glatte leere Wand projiziert und färbt den Raum. Die Farbe des Lichts ändert sich allmählich. Wenn Sie die Stufen mit dem schwarzen Teppich zur Schwelle der beleuchteten Wand hinaufsteigen, schwankt Ihr Gefühl, wo Sie sich befinden, schwindelerregend.
Turrells Ganzfelder sind für mich nicht neu, aber „AKHU“ lieferte einen nützlichen Maßstab, um die beiden anderen Kunstinstallationen in der Show zu bewerten. Ein Ganzfeld schafft eine kontemplative Stimmung, in der sich die Zeit verlangsamt und der Raum entmaterialisiert. Gleichzeitig enthüllt es die Strukturen der visuellen Wahrnehmung (und Fehlwahrnehmung), die die Magie ausmachen.
Aber warum widerstand ich der Vorstellung, dass ein einfaches Spektakel auch Kunst sein könnte? Künstler haben nie auf Showmanship verzichtet. Bernini war sowohl Theaterkünstler als auch Bildhauer. In einem seiner Stücke (ein Vorgänger von „Miss Saigon“ und „Phantom of the Opera“ aus dem 17. Jahrhundert) strömte ein Wasserstrom auf das keuchende Publikum zu, das im letzten Moment von Schleusen abgelenkt wurde. Natürlich erinnert sich niemand an Bernini für seine Divertissements. Wir begrüßen „Apollo und Daphne“ und wundern sich darüber, wie ein Bildhauer mit der hartnäckigen Substanz Marmor die fließende Umwandlung einer Nymphe in einen Baum darstellen kann. Kunst kann sicherlich unterhaltsam sein, aber sie muss auch aufschlussreich oder desorientierend sein. Wenn es nur kitzelt, verliert es seinen Anspruch, Kunst zu sein.
Die menschenfreundlichen Tourneen mit eindringlichen Projektionen von Van-Gogh-Gemälden, die sich in den letzten zehn Jahren so stark wie Sonnenblumen vermehrt haben, sind für die Kunst das, was Militärmusik für die Musik ist. Ein anderes Unternehmen, Meow Wolf (warum haben experimentelle Kunstorganisationen so schreckliche Namen?), Fördert die künstlerischen Referenzen seiner immersiven Installationen glaubwürdiger. Meow Wolf wurde 2008 in Santa Fe, New Mexico, gegründet und hat kürzlich den Omega Mart in Las Vegas eröffnet. Er plant, noch in diesem Jahr einen Raum in Denver zu eröffnen. Omega Mart ähnelt einem Supermarkt mit seltsamen Sets und bizarren Waren, die alle von teilnehmenden Künstlern hergestellt wurden.
Omega Mart liegt eine Erzählung zugrunde, die mit einem finsteren Unternehmen zu tun hat, einem Rätsel, das darauf wartet, dass der Besucher es herausholt. Als ich seinen Co-Geschäftsführer Ali Rubinstein fragte, wie sich Meow Wolf von Disney unterscheidet – eine Frage, für deren Beantwortung sie einzigartig qualifiziert war, weil sie über zwei Jahrzehnte bei Disney gearbeitet hatte -, betonte sie: „Disneys Erfahrungen sind programmiert und dort ist eine Erwartung darüber, wie sich ein Gast durch ein Land oder eine Attraktion bewegt. “Bei„ Meow Wolf geht es darum, unseren Besuchern die Möglichkeit zu geben, ihre eigenen Erfahrungen zu gestalten und zu entscheiden, wie tief sie in die narrative Komponente eintauchen möchten. “
Bezeichnenderweise ist der Fantasy-Romanautor George RR Martin, dessen Bücher in die HBO-Serie „Game of Thrones“ überführt wurden, ein bedeutender Investor in Meow Wolf. Omega Mart überträgt die Pop-Art-Kritik der amerikanischen Konsumkultur, die in Claes Oldenburgs „The Store“ – einem witzigen Panorama kommerzieller Produkte aus dem Jahr 1961 – zum Ausdruck kam, auf das Reich von Minecraft.
Ist es Kunst oder etwas anderes? Eine bessere Frage könnte sein, ist es gut? Marcel Duchamps Fertigkeiten, Tristan Tzaras Dada-Performances, Robert Smithsons Land Art, Tino Sehgals konstruierte Situationen – auf unzählige Weise haben modernistische Künstler Grenzen überschritten und aufgelöst.
Immersive Kunst zielt darauf ab, diese Mission weiter voranzutreiben.
Es Devlin, dessen „Forest of Us“ Teil der ersten Ausstellung von Superblue ist, arbeitet seit 25 Jahren als Theaterdesigner und kreiert berühmte Sets für „The Lehman Trilogy“, Kanye West-Tourneen und „About Time: Fashion and Duration“ Die Kostüminstitutshow des Metropolitan Museum im letzten Herbst. Devlin besuchte die Kunstschule in London und bewunderte die jungen britischen Künstler, die ihr vorausgingen, aber sie sagte mir in Miami: „Ich konnte mich nicht darum kümmern, ein Objekt herzustellen und zu verkaufen. Meine natürliche Welt war das Theater. “ In den letzten fünf Jahren hat sie sich von der Gestaltung von Entwürfen für andere Künstler zum „Selbstvertrauen, eine Erzählung zu schreiben“ entwickelt.
“Forest of Us” beginnt mit einem fast dreiminütigen Film, in dem Devlin Verzweigungen darstellt – Bronchien in der Lunge, Äste von Bäumen, Bäche in Bäche. Das Voice-Over beginnt mit „Jedes Mal, wenn ich eine Weggabelung erreiche, wähle ich beide Wege“ und endet mit „Kannst du es finden? Geh und finde es! ” An diesem Punkt trennt sich der Bildschirm und der Besucher geht durch ein Portal in ein Labyrinth. Mit einer gestreckten Mylar-Folie an der Decke, einem Spiegel aus optischem Glas an den umgebenden Wänden und gewundenen Wegen, die von Trennwänden aus poliertem Aluminium begrenzt werden, ist „Forest of Us“ eine Art Heckenlabyrinth, in dem das traditionelle Buchsbaumholz durch reflektierende Oberflächen ersetzt wurde.
Als ich auf mein zurückgeworfenes Bild starrte, wurde ich an Kusamas visionären „Narzissengarten“ erinnert, eine Fläche von Spiegelkugeln, die auf dem Boden lagen. (Der 1966 auf der Biennale in Venedig erstmals geschaffene „Narzissengarten“ ist in einem späteren Format im Rubell Museum zu sehen.) Aber Devlins Arbeit umhüllt Sie. Schließlich kommen Sie zu einem flachen Becken, 6 Fuß breit und 35 Fuß lang, wo Sie auf markierten Kreisen am Rand stehen, Ihre Arme heben und Ihr Spiegelbild als dendritisches Filigran sehen und das rauschende Einatmen hören können. Gekühlt fühlte ich mich am Ufer des Flusses Styx und erlebte nicht meinen persönlichen Tod, sondern den Tod des Planeten.
Bei Superblue hat sich die Barriere zwischen dem Betrachter und dem Kunstwerk aufgelöst, was die seit langem erklärte Mission von teamLab ist. Eine Möglichkeit, die Showstopps der Gruppe in Miami zu betrachten, besteht darin, dass ein Besucher einen Computerbildschirm passieren kann, genau wie die Figuren in Jean Cocteaus Film „Orphee“ durch Spiegel gehen. “Was eine Grenze ausmacht, ist die Anerkennung einer durch Menschen”, sagte Toshiyuki Inoko, Mitbegründer von teamLab, und sprach durch einen Dolmetscher, als er kurz vor der Eröffnung die Miami-Installationen optimierte. „Wenn Menschen auf einem Computerbildschirm den Bildschirm erkennen, wird er zu einer Grenze. Wir versuchen, die Grenze zu beseitigen oder zu mildern. “
In der Tat ist die größte der vier Ausstellungen von teamLab im Superblue Miami zwei getrennt konzipierten Werken gewidmet, die miteinander verwoben wurden. “Universum der Wasserteilchen, transzendierende Grenzen” ist ein digitaler Wasserfall, der zwei Wände hinunter und auf den glänzenden Boden stürzt. Wenn der Bach mit den Füßen eines Besuchers in Kontakt kommt, teilt er sich. Gleichzeitig bricht eine andere Arbeit, “Blumen und Menschen, die nicht kontrolliert werden können, sondern zusammenleben”, mit riesigen Blüten aus, die wachsen und sterben. Die Blumen blühen auf dem Boden nur in den Räumen, die durch die Anwesenheit des Besuchers vom wässrigen Bild befreit wurden.
Die teamLab-Kollaborative greift ihr japanisches Erbe am unmittelbarsten in einem einkanaligen Video auf: „Das Leben überlebt durch die Kraft des Lebens II“, das das Kanji-Symbol für „Leben“ in einen Ast verwandelt, der durch saisonale Veränderungen in einem Tanz von 3 Personen hindurchgeht. D Kalligraphie. In einem anderen Raum zeigt „Proliferating Immense Life, A Whole Year per Year“ eine Folge von gerenderten Blumen, die riesig werden und als Blütenblätter abfliegen und ein Gitter aus kleinen goldbraunen Wandquadraten hinterlassen – eine Anspielung auf das Blattgold, auf das sie aufgetragen wurden die Papieroberfläche eines japanischen Bildschirms sowie (zumindest meiner Meinung nach) kahle Winterfelder, die von Wolken beschattet werden. Als meine Hand die Blumen an der Wand berührte, beschleunigte ich ihr Absterben – ein ätzender Kommentar zur Krankheit der Menschheit sowie eine hinreißende Wiedergabe der japanischen Ästhetik der Vergänglichkeit der Schönheit.
Im Jahr 2018 überzeugte Inoko Glimcher, ein Tabu zu brechen und 20 US-Dollar für den Eintritt zu einer teamLab-Ausstellung in der Palo Alto-Galerie von Pace zu verlangen. Pace repräsentiert mehrere andere Künstler, deren experimentelle Installationen sich nicht für konventionelle Galerieverkäufe eignen: Leo Villareal, Random International, DRIFT. Pace vermarktete ihre Stücke an Entwickler und Regierungen. “Sie würden in Einkaufszentren oder auf Brücken platziert”, sagte Dent-Brocklehurst.
Das alternative Superblue-Modell (das nicht auf Pace-Künstler beschränkt ist) finanziert die Produktion des Werks und zahlt den Künstlern Lizenzgebühren für den Ticketverkauf. Ein Ticket für Superblue Miami kostet 36 US-Dollar, mit einem Zusatz von 10 US-Dollar für ein zusätzliches teamLab-Projekt, „Massless Clouds Between Sculpture and Life“, eine Kreation, die das Publikum kitzelt und in der sich Seifenblasenwolken bilden, schweben und sich auflösen, wenn Besucher durch die Stadt gehen Sie.
Inoko sagte mir, dass die Wolke wie ein Virus ist, “an der Grenze zwischen dem, was lebt und was nicht, und organisch und anorganisch.” Aufgrund des Coronavirus wird Superblue Miami zunächst zu 50 Prozent ausgelastet sein. Es ist besser ausgestattet als ein herkömmliches Museum, um diese Einschränkung zu erfüllen. Shantelle Rodriguez, die Direktorin der Zentren für experimentelle Kunst bei Superblue, sagte: „Diese Künstler haben eine sehr genaue Vorstellung von der Anzahl der Personen, die sich in einem Raum befinden sollten, um diese Erfahrung zu machen.“
Für mich begann die eindringliche Erfahrung nicht ganz angenehm mit meiner Reise von New York nach Miami, das erste Mal seit über einem Jahr, dass ich in einem Flugzeug war. Es ging weiter mit der alarmierend unbedeutenden Atmosphäre in South Beach, wo ich eines Abends in mein Hotel zurückkehrte, um eine Gruppe entlarvter College-Studenten zu finden, die so eng wie Spargel im Pool gepackt waren. In meiner unruhigen Stimmung überfluteten mich die trippigen, meditativen, wunderschönen Installationen von Superblue als Atempause und Trost. Mein Widerstand schmolz. Meine Zweifel ließen nach. Wie die Kinder in meinem Hotel war ich nach einem Jahr der Entbehrung bereit, mich verführen zu lassen.
Superblue Miami
Öffnet am 22. April. 1101 NW 23 Street, Miami, Fla. 786-697-3405. Tickets sind ab Anfang April erhältlich. Um benachrichtigt zu werden, wenn sie live gehen, melden Sie sich unter superblue.com/miami an.